larroseurarrose

C’est un peu pour prendre le contre-pied des critiques négatives que je mets une excellente note à « the dead don’t die ». Ceci dit, je l’ai trouvé excellent. J’ai été complètement réceptive à l’humour décalé et au ton très « cool » de ce dernier film de Jim Jarmusch, de plus ses zombies sont très réussis.

Il m’a fait penser à l’excellent « Shaun of the dead », en moins optimiste. http://www.allocine.fr/film/fichefilm_gen_cfilm=57825.html

Centreville est une petite ville typique du cinéma US perdue dans la campagne américaine, avec son motel, sa quincaillerie, son « Diner » et ses habitués, son poste de police, sa station service et ses pompes funèbres. Jim Jarmusch écrit un film chorale autour de plusieurs personnages : l’équipe de flics, le fermier grognon, les serveuses, le geek cinéphile, les jeunes en difficulté, le client du bar, les touristes hipsters, le propriétaire du motel, l’étrange responsable des pompes funèbres. Un peu à part, un vagabond, amateur de Melville vit seul dans la forêt et observe la vie de la ville avec ses jumelles.

Une chanson country rythme le déroulement du film : « the dead don’t die ». Le casting m’a bien séduite.

Des phénomènes étranges viennent perturber la quiétude de la ville : le soir la nuit ne tombe pas, tous les animaux disparaissent, les fourmis ont un comportement étrange. On apprend par la TV que l’axe de la Terre s’est déplacé suite à la fracture polaire.

Mais surtout, les morts commencent à sortir de leur tombe et à dévorer les habitants. Ces zombies retrouvent chacun les attitudes névrotiques et consommatrices qui les caractérisaient de leur vivant : les drogués aux anxio crient « Xanax », « Xanax » devant la pharmacie, d’autres avec leurs smartphones essayant de capter du réseau …

Le film est réalisé et joué avec une nonchalance que j’ai adorée (propre à Jim Jarmusch), ponctuée par la marche lente des zombies, distillant un pessimisme perçu même par les acteurs. Seul l’humour évite le désespoir et rares sont ceux qui trouvent le salut. Un très bon film de genre avec beaucoup de personnalité.

Voilà un film sans prétention ni prise de tête, bien sympathique et joliment joué, pour passer un moment agréable, malgré des aspects aussi plus graves.

Raymond est éleveur de poules de plein air bio et également grand admirateur de « Cyrano de Bergerac ». Avec sa poule de compagnie, Roxane, il lit du théâtre aux habitantes du poulailler.

Mais la coopérative de ce coin de Bretagne lâche les petits éleveurs pour s’associer à un producteur d’oeufs industriels.

Raymond va chercher à faire le buzz, avec des vidéos alliant théâtre et poules, afin de sensibiliser l’opinion à sa cause.

Sa voisine anglaise, ancien professeur de français l’aide à réaliser son projet.

J’ai bien aimé l’originalité, le côté poétique et le charme de cette histoire qui sensibilisera peut-être les spectateurs à la cause des petits producteurs locaux.

En Corée du Sud, de nos jours. Ki-Taek  vit dans un entresol au coeur d’un quartier populaire avec sa femme, son fils et sa fille, deux jeunes adultes. Les quatre sont au chômage, malgré des potentiels certains, suite à des concours de circonstances malheureux. Ils gagnent un peu d’argent en pliant des boîtes de pizza. Un jour, un ami de Ki-Woo, le fils de Ki-Taek, lui propose de le remplacer en tant que professeur particulier d’Anglais auprès de la fille du très riche Mr Park.

La famille Park vit sur les hauteurs de Séoul, dans une magnifique et lumineuse villa aux décors dépouillés et aux beaux volumes. Ils engagent Ki-Woo.

Le ton qui évolue de la comédie vers le film d’horreur, est donné d’emblée. Sur un rythme de musique classique, la misère dans laquelle vit la famille de Ki-Taek se présente par des éléments et des signes ciblés par Bong Joon-Hoo, avec une pointe d’humour noir.

Tout s’enchaîne ensuite comme une mécanique bien huilée, tel le plan machiavélique de la famille de chômeurs.

Jusqu’à la nuit de l’orage : c’est cette nuit qu’on mesure le gouffre qui sépare les classes riches des classes populaires, avec le sentiment d’observer la vie sur deux planètes bien distinctes, s’ignorant l’une l’autre. Mais les plus défavorisés connaissent bien les deux mondes, alors que les Park ne semblent connaître de la pauvreté que l’odeur.

Ces scènes de la nuit d’orage relèvent pour moi du chef d’oeuvre, tant par la mise en scène, par le montage, le scénario et le jeu d’acteurs. C’est à la fois réaliste, effrayant, grave et comique.

Tout tourne finalement au chaos, un chaos orchestré en virtuose.

Le thème du film n’est pas sans rapport avec « Une affaire de famille » de Kore-Eda. Dans cette misère partagée, les liens familiaux sont très forts et les personnes solidaires. Au-delà du cercle familial, ni la pitié ni la gentillesse n’existent.

Mais Bong Joon-Ho n’est-il pas encore davantage cynique avec les riches : pointant leur cécité, leur naïveté, leur pseudo-gentillesse ? Comme le dit la femme de Ki-Taek « je serais aussi gentille si j’étais riche ».

Difficile de faire le tour d’un tel film mené par un maestro comme un grand morceau symphonique très sombre au final.

Sibyl, psychanalyste et alcoolique abstinente, cesse les consultations avec ses patients pour se consacrer à l’écriture d’un roman. Margot, une jeune actrice dont la vie est compliquée, fait appel à ses talents de thérapeute. Malgré sa décision, Sibyl accepte de la suivre en thérapie.

Se laissant manipuler par l’actrice, Sibyl enfreint plusieurs règles déontologiques : elle se retrouve plongée dans un contre-transfert destructeur.

Le film est « déconstruit » de façon éclatée, sciemment sans fluidité narrative. Le spectateur est promené dans les différents moments passés et présents de la psychanalyste, un peu comme dans un travail analytique sur les associations d’idées. Virginie Efira va loin dans les moments d’érotisme. Chaque personnage est perturbé et perturbant à sa façon, je déconseille ce film en période de déprime. Je n’ai pas été convaincue ni émue par la passion entre Gabriel et Sibyl, assez creuse. Les autres passions amoureuses du film m’ont plutôt laissée de marbre.

J’ai aimé quelques moments : les passages avec les enfants sont très bien, la cinéaste Mika est assez irrésistible, le début avec la tirade sur la littérature est prometteur et les paysages italiens magnifiques. Malgré tout l’impression générale reste mitigée, avec un sentiment d’indigestion face aux violences psychiques du film.

Je préfère Virginie Efira dans les films plus légers et les comédies.

Le cinéaste japonais réalise ce film en 2008 , bien avant « Senses » et « Asako ». C’est à présent qu’il sort dans les salles françaises.

« Passion » m’a un peu déçue et ennuyée, je l’ai trouvé assez fade, sans relief ni humour.

C’est l’histoire de femmes et d’hommes trentenaires, des intellectuels, en couple ou amants. Tendus entre leurs désirs, leurs amours et désamours, leurs envies de stabilité mais aussi de liberté (ou libertinage), ils se déchirent les uns les autres alors qu’a priori il s’agit d’un groupe d’amis.

Le regard que pose Ryusuke Hamaguchi sur les personnages n’est ni tendre ni bienveillant, je dirais naturaliste, nihiliste voire cruel.

Il radiographie les impasses relationnelles de chacun de ces jeunes adultes, c’est intéressant, mais dommage que ça manque de saveur. Mon film préféré du cinéaste reste « Asako », bien plus abouti et spirituel.

Salvador Mallo, réalisateur célèbre en panne d’inspiration, sujet à de multiples troubles et douleurs, vit dans un magnifique appartement décoré d’oeuvres d’art et d’objets colorés. A l’occasion de la projection d’un de ses anciens films dans une médiathèque, il recontacte 30 ans après, l’acteur principal Alberto Crespo, avec lequel il s’était brouillé.

Les retrouvailles permettent à Alberto de trouver un très beau texte sur l’ordinateur de Salvador, mais vont entraîner le cinéaste dans la consommation d’héroïne.

Je n’en dis pas davantage, je trahirais les astuces du scénario.

Je n’ai pas été vraiment touchée par le héros et sa vie, je n’étais pas toujours en empathie avec lui, même si les acteurs jouent avec justesse.

Mais c’est bien le scénario, le point fort de ce film : je l’ai trouvé brillant, intelligent, dense et fouillé, tel que Pedro Almodovar sait les écrire, en maître des émotions, de la psychologie, des couleurs et des destins singuliers. Ici le destin du héros fait écho à sa propre biographie.

Je trouve que « Douleur et gloire » est à la hauteur de l’oeuvre magistrale d’Almodovar.

…nous a quittés et nous laisse en autre cette chanson inoubliable :

Je copie le synopsis officiel très fidèle au film : « Ce soir, dans la forêt qui encercle ce village au nord du Brésil, le calme règne. Ihjãc, un jeune indigène de la tribu Krahô marche dans l’obscurité, il entend le chant de son père disparu qui l’appelle. Il est temps pour lui d’organiser la fête funéraire qui doit libérer son esprit et mettre fin au deuil. Habité par le pouvoir de communiquer avec les morts, Ihjãc refuse son devenir chaman. Tentant d’échapper à son destin, il s’enfuit vers la ville et se confronte alors à une autre réalité : celle d’un indigène dans le Brésil d’aujourd’hui. »

Ce film a une temporalité en phase avec la vie du village, éloignée du monde moderne. Lenteur et plans fixes, le mouvement est dans l’image, rythmé par les bruits de la nature.

J’ai été touchée par l’errance spirituelle de Ihjac qui ne trouve sa place dans aucune des communautés. Les auteurs semblent cerner avec finesse une problématique peut-être récurrente chez les peuples vivant de façon tribale à l’heure actuelle.

Le film est dépaysant et permet une immersion dans la tribu Krahô à la manière d’un ethnologue, avec malgré tout du retrait.

Dans les années 2000 (je suppose) en Suède, une dame âgée, la romancière Astrid Lindgren, lit son courrier : des lettres d’enfants avec des voeux d’anniversaire. Elle écoute une cassette enregistrée par une classe, des voix d’enfants se succèdent et seront présentes tout au long du film.

Retour en 1920 et quelques, dans la campagne suédoise. Astrid vit à la ferme avec sa famille, elle a 16 ans. Le pasteur à l’Eglise donne le ton à ces existences austères et pieuses. Astrid se révèle fantasque, elle aime inventer des histoires amusantes. Un jour elle est engagée dans un journal local comme secrétaire.

J’ai beaucoup aimé la forme classique de ce film aux couleurs et lumières nordiques froides et douces, faisant place à une narration elle aussi tout en douceur et fluide. Les êtres et leurs visages y ont une place de choix.

Si le film ne parle qu’en filigrane des romans d’Astrid, il s’attache à la période de la fin de sa jeunesse, avec la naissance de son fils, l’expression de son amour maternel, son coeur brisé, finalement apaisé.

La présence de Alba August illumine l’écran.

C’est un film très délicat et tendre sur les liens entre une mère et son jeune enfant, malgré l’austérité ambiante, qui permet peut-être de comprendre pourquoi Astrid Lindgren a eu tellement de talent pour inventer des histoires destinées aux enfants.

Espagne. Lors d’un repas animé et festif, des hommes échangent des remarques sur leur parti en écoutant et critiquant leur futur candidat à la télévision. Manuel Lopez Vidal, secrétaire régional, vivant dans l’opulence, est sur le point de rejoindre la direction du parti. Mais un scandale éclate et Lopez Vidal est vite érigé en bouc émissaire afin de masquer la partie immergée de l’iceberg. Le parti tremperait dans une affaire de détournement de fonds européens.

Le procès approche, Manuel Lopez Vidal entreprend une course contre la montre pour prouver l’implication de ses collègues dans l’affaire et ne plus être le seul homme incriminé.

Le spectateur est entraîné dans un thriller aux rouages efficaces et bien huilés avec des scènes d’anthologie hallucinantes et un final excellent. On découvre que la corruption est généralisée, qui ne s’enrichit pas sur le dos des espagnols et de l’Europe ?

Ce film haletant et cynique n’explicite pas assez à mon goût les enjeux de ce scandale politico-financier qui restent obscurs, même si on comprend bien que Lopez Vidal -peu sympathique héros au final- cherche à sauver sa peau en faisant tomber ses collègues. Ainsi le déroulement est palpitant mais ne génère que peu d’émotions et de passion pour l’affaire en cours.

J’ai toutefois bien aimé, je me suis laissée portée par le rythme du film et l’adrénaline qu’il procure, sans creuser au-delà, parce que le fond semble plutôt désespérant.